In Memoriam: Ha Muerto El Legendario Músico Y Productor "Steve Albini" A Los 61 Años

El legendario músico y productor Steve Albini ha muerto a los 61 años de manera inesperada tras sufrir un ataque cardíaco en su estudio de grabación Electrical Audio, la noticia ha sido confirmada por el personal de su estudio.

 

Todo icono en la cultura alternativa, siempre estuvo en la cresta de la escena y de fue el productor de algunos de los discos más queridos de la escena alternativa. Como músico, estuvo al frente de bandas como Big Black, Rapeman y Shellac, quienes empujaron más allá de las fronteras del post-punk y art-rock, también en esos años comenzó sus andanzas como productor, o su termino preferido Ingeniero, para docenas de álbumes de bandas como Nirvana, Pixies, PJ Harvey, y Page And Plant, era destacado por sus DIY y ética punk, resistiéndose a los servicios por streaming y negándose a tomar regalías de las grabaciones de otros artistas que había producido. Estaba en planes con su banda Shellac preparando lo que sería su primer álbum desde el 2014 y se preparaba para una gira. 

Nacido en California en 1962, las inspiraciones de Albini vinieron directamente del movimiento punk, encabezado por The Ramones, pero robustizado por Devo y Pere Ubu, se mudo a los suburbios de Chicago para estudiar periodismo y fue lanzado a la fértil escena underground de la ciudad, contribuyendo con fanzines y trabajando con el sello punk Ruthless Records. 

 

Comenzó su propio proyecto musical Big Black, inicialmente fue un proyecto en solitario que después se convirtió en un cuarteto, su disco debut "Atomizer" fue lanzado en 1986 y el segundo "Songs Abut Fucking" estaba caracterizado por un tono y pulsos de guitarra y cajas de ritmo, esto se volvería en un sello sonoro en la escena punk Estadounidense del momento, y le gano la admiración de Robert Plant, quien trabajaría con él en un disco junto a Jimmy Page. Tras el fin de Big Black, fundo otra banda Rapeman en 1987 cuyo nombre fue tomado de un manga Japonés, y fue entonces su trabajo más atrevido y provocador, aunque después se arrepintió por el nombre que uso. 

 

Albini llegó a decir que su próxima banda tenía que durar más y entonces se vino Shellac en 1992, con un sonido más art-rock, tocando un estilo más minimalista pero rítmico en consonancia con el baterista Todd Trainer y el bajista Bob Weston, llegarían a lanzar cinco discos, hasta el último que ya preparaban con todo y gira. 

Junto a la música, se metió de lleno en la producción, y ganó fama gracias al disco "Surfer Rosa" de 1988, el álbum debut de la mítica y legendaria banda Pixies, que daría origen al grunge que florecería a inicios de los 90's., además produjo a otras bandas como The Jesus Lizard, Tad y The Breeders, ayudó a promover el crudo sonido de PJ Harvey en su álbum "Rid Of Me" en 1993, año en el que tuvo mayor repercusión como productor, ya que también produciría el mejor disco de Nirvana a mi criterio "In Utero" con un sonido más oscuro y crudo que no gusto mucho al sello Geffen, por lo que entraron en disputa, del disco salieron dos singles que ayudaron a darle más brillo al sonido de Nirvana. 

 

A pesar de odiar la escena mainstream, Albini fue adorado por músicos debido a su aproximación sin pretensiones, dándole siempre un toque único a las grabaciones, siempre favorecía el uso de técnicas análogas, a lo cual el llamaba "fuck digital" en sus notas. Gracias al éxito, pudo montar su estudio "Electrical Audio en 1995 y apareció en los créditos de otros trabajos de artistas tales como: Joanna Newsom, Low, Jon Spencer Blues Explosion, Manic Street Preachers, Mogwai y Jarvis Cocker.

 

También fue figura polémica, y nunca faltaron insultos y provocaciones, además de que a veces Albini las avivaba como cuando su single "Big Black" fue dedicado al dictador Benito Mussolini, volviéndose una figura incomoda en los años siguientes, a lo que después comento sentirse arrepentido de haberlos dicho en el 2021. 

 

Albini también fue un celebrado jugador de poker y llegó a ganar dos brazaletes de oro en la Serie Mundial de Poker y cientos de dólares más en eventos y torneos. A Albini le sobreviven su esposa, la cineasta Heather Winna. 

Primicia: Albatross

          

La banda Cola sigue con su buena racha y ahora entrega su nuevo single "Albatross" un tema mucho más crudo, rasposo y agresivo demostrando por que razón están siendo una sensación en el indie rock en estos momentos, el clip ha corrido a cargo de Max Farrell en donde todo se basa en una diapositiva de un albatros agregándole efectos al mismo.

Primicia: What Can I Say After I'm Sorry?

           

La banda Inglesa Blossoms reaparece en la escena con este movido track "What Can I Say After I'm Sorry?", con un clip lleno de vibra retro con la banda recorriendo en una clásica popocha en Derbyshire y ellos vestidos de cuero como si fueran una banda setentera, comparten protagonismo con Sean Dyche que la hace de su manager, el clip ha sido dirigido por Ewan & Tom Ogden.

Rocktrospectiva: El Encantador "Blind Man's Zoo" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 4 de Mayo de 1989 "Blind Man's Zoo" fue el 4to., álbum de estudio de la banda Estadounidense 10,000 Maniacs, una colección de temas que cuya temática apuntaba a la reflexión y problemática social de eventos sucedidos previo y durante las grabaciones del disco. Del mismo se lanzaron tres singles "Trouble Me"  que era una dedicación al padre de Merchant, "Eat For Two" que era un tema acerca del embarazo adolescente, ambos temas entraron a los charts y el disco alcanzó el No. 13 del Billboard y el 18 en el Reino Unido, el último single fue  "You Happy Puppet" el cual no tuviera mucha repercusión en los charts pero si cierta rotación en la MTV y programas de videos musicales de la época con un video bastante interesante. 

 

Inspirados en el título de un juego de mesa infantil, "Blind Man's Zoo"  fue construido durante el momento de más popularidad de la banda cuando sonaba "In My Tribe" ayudando a cimentar la fama de la misma como algo más que simples teloneros con un sonido similar al de R.E.M., lo cual no quiere decir que eran malos, todo lo contrario ya que R.E.M. solía escoger bandas de alta calidad como actos de apertura, sino que las similitudes en el sonido y las temáticas de la que hablaban los ponían en paralelo, además fueron de las pocas bandas que lograron tener éxito en los charts. 

Fue el tercer disco más exitoso de la banda, ya que no solo paseaba en las problemáticas políticas sino que ahora abarcaba temas más sociales como el embarazo juvenil, el aborto, sin dejar el lado político como por ejemplo en "Please Forgive Us" en donde hacía eco de la preocupación de la nefasta intervención Estadounidense en América Central, y el asunto Iran-Contra, un guiño a la guerra de Vietnam en "The Big Parade", los efectos dañinos de la basura toxica en "Poison In The Well" con dedicatoria a la Hooker Chemical Company de Buffalo, New York, a la clase trabajadora en "Dust Bowl", así como también el problema racial y de descolonización entre los Europeos y los descendientes Africanos, y finalmente el fanatismo religioso en "Jubilee", y el racismo de ciertas congregaciones cuando presencian una relación entra una mujer blanca y joven negro. 

 

Otros tracks como "Trouble Me" era una hermosa balada compuesta por Dennis Drew con letras de Mercharn que era una dedicatoria a su padre que en ese momento estaba hospitalizado, y que para la cantante era su canción más jubilosa y llena de animo, lo cual era como un antídoto para todo el álbum,  con "The Lion's Share" era una reflexión acerca de los frutos que la colonización dejo, y una de las más encantadoras y que al menos en mi caso, me conmovía el corazón con "You Happy Puppet" que fue el tema con el que yo les conocí en aquel 1989 gracias a la rotación que el clip tenía en la MTV. 

 

El disco tuvo crítica variadas, por un lado, algunos comentaron que era el mejor disco que la banda había lanzado hasta ese entonces, con un sonido mucho más enfocado, y la guitarra de Buck bien afinada y sólida, aparte que las inteligentes y reflexivas letras era de lo mejor, evitando ser pretenciosas, aunque en algunos casos se criticó la forma de cantar de Merchant, en algunos temas esa manera de interpretar los temas era el toque para elevar las canciones, pese a que el disco también es considerado inferior a su predecesor, este tuvo su época en un período lleno de sorpresa sociales y políticas, aunque ya nada sería lo mismo después de "Blind Man's Zoo" ya que Merchant dejaría a la banda, otro secreto fue sin duda la producción de Peter Asher quien había colaborado con Paul Fox en el disco anterior, dándoles ese sonido único sin perder su toque indie pero con fuerte tendencia al mainstream sin sacrificar sus aspiraciones en el proceso, quizás ahí radica el encanto de "Blind Man's Zoo" fue el último disco clave y la esencia total de lo que era, es y será siempre la banda.

Blind Man's Zoo Track List: 

1. Eat For Two

2. Please Forgive Us

3. The Big Parade

4. Trouble Me

5. You Happy Puppet

6. Headstrong

7. Poison In The Well

8. Dust Bowl

9. The Lion's Share

10. Hateful Hate

11. Jubilee

Rocktrospectiva: El Brillante Y Experimental "Head Music" Cumple 25 Años

 

Lanzado el 3 de Mayo de 1999, "Head Music" fue el 4to., álbum de estudio de la legendaria banda Inglesa, Suede, el cual fue producido por Steve Osborne, quien le dio un toque más electrónico al sonido de la banda como un nuevo acercamiento a otros estilos, aunque grabar el disco fue todo un logro debido a los problemas que se sucedieron en las sesiones de grabación, como la lucha de Anderson contra el crack, Codling con un síndrome de fatiga crónica entre otros, y a pesar que tuvo críticas variantes, el disco llegó al No. 1 en el Reino Unido.

Sin embargo, este seria el último disco en llegar al No. 1, tras el éxito del recopilatorio "Sci-Fi Lullabies", la banda se tomo un año, en donde Codling paso en cama por el asunto de esa enfermedad, Anderson se sumía en las drogas a niveles preocupantes, además que a Osman no le gustaba la gente con la que se estaba asociando que no eran siquiera músicos sino drogadictos. En ese ambiente, la banda se movió de Ed Buller como productor y tomaron a Osborne que había trabajado con Happy Mondays, y el resultado sería un disco más experimental que cualquier otro que haya sacado la banda, claro esta que los rumores se colaron y la gente pensó que debido al productor que tenían, la banda estaba preparando un disco bailable.

Un dato curioso se dio que durante las grabaciones, cuando al productor le ofrecieron una pipa de crack de parte de los amigos de Anderson, el acepto pensando que era una pipa de marijuana pero al consumirla la sensación fue horrible, siendo su primera y última vez que consumió esa droga, Anderson estaba enganchado pero paro en el otoño de 1999 cuando un amigo muy cercano se enfermo gravemente, y desde entonces ha estado limpio, otro que tuvo problemas fue Oakes durante los ensayos, ya que estaba molesto con el comportamiento de Anderson, por lo que comenzó a beber con tal de sentir las sesiones más favorables, las cosas comenzaban a salirse de control, y solamente Osman y Gilbert parecían inmunes de momento, pero al final pues pudieron salir adelante con el disco que fue grabado entre agosto de 1998 y febrero de 1999 en varios estudios.

El disco también es notable por ser el primero que lleva como título el nombre de un track, el cual era "Head Music", una de las preferidas de Anderson a pesar que el director de Nude estaba en contra, entre otros temas también destaca "Elephant Man", que fue el único no escrito por Anderson, Codling estuvo muy activo aportando seis temas, por lo que al final todo salio como lo esperado y tras las mezclas ya lo tenían listo. El estilo del disco era muy variopinto con algunas rarezas como la acústica "Crack In The Union Jack" que fue la última, y la criticada "Elephant Man", esto y más otros elementos de electrónica y dance ayudaron a reforzar el estilo de Suede, pasando por teclados análogos, y cajas de ritmos aunque seguían las guitarras en el mismo.

Del título ya decíamos que venía del nombre de un tema del disco, y la rara portada tenía que ver con la novia de Anderson, y fue diseñada por Howard Wakefield y Paul Hetherington, siguiendo las ordenes de Anderson de tener dos personas unidas por la cabeza y teniendo algo como audífonos para escuchar.

Del disco se lanzaron cuatro singles "Electricity", seguido de "She's In Fashion", "Everything Will Flow" y finalmente "Can't Get Enough", el primero llegó al No. 5 manteniendo la racha de cinco singles consecutivos en el top ten Inglés desde "Coming Up", fue exitoso a pesar de críticas muy variadas, unos decían que no aportaban nada nuevo, otros que iba orientado al pop, otros fueron aún más severos diciendo que habían perdido el rumbo, y otros estaban contentos con el resultado del disco, mientras que en Estados Unidos, las críticas fueron más variadas, unos lo llamaron sombrío y raro, otros un disco más consistente gracias al poder de ciertos tracks como la elocuente "Electricity" y la curiosa "She's In Fashion" y "He's Gone" que sonaban a Suede, así que tuvo de todo y salió también airoso de los ataques, aunque lo que más importaba era quedar dentro del gusto de los fans.

Head Music Track List:

1. Electricity

2. Savoir Faire

3. Can't Get Enough

4. Everything Will Flow

5. Down

6. She's In Fashion

7. Asbestos

8. Head Music

9. Elephant Man

10. Hi-Fi

11. Indian Strings

12. He's Gone

13. Crack In The Union Jack

Primicia: City Lights

          

La banda The Waeve presenta su nuevo single, la potente "City Lights", que se desprende del álbum del mismo nombre, recordemos que la banda es le proyecto del guitarrista de Blur, Graham Coxon y Rose Elinor Dugall, dándonos un tema con ciertos aires a David Bowie de finales de los 70's e inicios de los 80's., con un potente riff de guitarra y hasta Coxon se atreve con el saxofón, el álbum fue producido por James Ford, si el mismo de "Nonetheless" de Pet Shop Boys, y en el video se nota esa magia nocturna, que es hermosa y grotesca a la vez, brillante y seductora, en un entorno donde alguien te quiere amar y destruir al mismo tiempo.

Libros: Helmut Newton

 

Se nos viene otro fenomenal libro acerca del cautivador mundo de Helmut Newton, icono de la moda y los retratos de celebridades. Las inolvidables fotografías de Helmut Newton, sofisticadas y provocativas a la vez, constituyen un legado artístico rico que no ha perdido un ápice de relevancia. 

 

En este libro, se presenta una muestra compacta pero amplia de su trabajo, e incluye una reveladora introducción y una pormenorizada cronología biográfica. Las imágenes de Newton se mueven en la ambigüedad, e incluyen alusiones y observaciones sociales que atraen y desafían a la vez a sus espectadores. Esta selección consigue reflejar el punto de vista único de Newton y las complejas corrientes subyacentes que distinguen su trabajo editorial en los campos de la moda y del retrato.

En la entrega, se podrá apreciar la evolución de Newton hasta convertirse en un personaje inconformista, astuto y malicioso, voyeur y satírico a la vez, cuyo objetivo capturó aspectos polémicos pero fundamentales de la alta costura y la alta sociedad en las últimas décadas del siglo XX. Trabajaba como “pistolero a sueldo” pero a la vez imponía sus propias perspectivas y obsesiones, y definía su idea de una mujer poderosa y segura de sí misma. Esta figura se convirtió en su tema más insistente, desarrollado en escenarios cargados de erotismo, habitualmente en el seductor ambiente de lujosos apartamentos o grandes hoteles, sobre todo en París, Montecarlo y Los Ángeles.

Desde mediados de la década de 1960, las dinámicas imágenes de Newton consolidaron su reputación en el mundo de la moda por medio de trabajos publicados en revistas de primer orden, como Vogue Paris, Elle, Marie Claire, Nova, Queen y la edición británica de Vogue. A partir de mediados de los años setenta su fama se extendió gracias a sus primeros libros y exposiciones. Sus imágenes inmortalizan a grandes figuras de la alta sociedad, el cine y la moda, como la princesa Carolina de Mónaco, Charlotte Rampling, Paloma Picasso y Karl Lagerfeld.

Las fotografías glamorosas, innovadoras y transgresoras de Helmut Newton, tienen un sello propio y una autoridad indiscutible que las hace mantener su dominio en nuestra imaginación.

 

Páginas: 192

Edita: Taschen

Edición Plurilingüe: Inglés, Alemán, y Francés 

Autor: Sarah Mower

Colaborador: Philip Garner

Rocktrospectiva: El Brillante E Impecable "The Stone Roses" Cumple 35 Años

Lanzado ese 2 de Mayo de aquel mágico 1989, "The Stone Roses" fue el álbum debut de la banda Inglesa del mismo nombre, una rara banda de Manchester que terminaría por convertirse en la cara de la floreciente escena "Madchester" en donde fusionaban el dance con el rock sin envidiarle nada a sus colegas los Happy Mondays. 

El disco fue grabado de junio de 1988 a febrero de 1989 y lanzado finalmente el 2 de mayo, y lanzado el mismo día que "Disintegration" de The Cure., y que a pesar de que no tuvo in inmediato éxito, el álbum fue creciendo en popularidad gracias a las grandes y míticas presentaciones que la banda tuvo y que ayudo a establecerlos en la escena y la cultura baggy, y tal como lo mostraba la curiosa portada inspirada por un cuadro de Jackson Pollock y los disturbios estudiantiles de París, de ahí lo de las rodajas de limón que eran usadas para contrarrestar el efecto de los gases lacrimógenos. La banda contaba con la púa dorada del guitarrista John Squire, piedra angular del sonido de la banda que recorre a lo largo y ancho del mismo. 

La banda basada en Manchester y formada en 1983, fueron por varias alineaciones y diferentes nombres y sonidos, lanzaron varios singles en varios sellos hasta llegar a grabar este disco con John Leckie, un productor que había trabajado con Pink Floyd, este dijo que la banda sonaba bien y muy relajada y gracias a ese ambiente relajado que se logro obtener ese sonido, el cual para muchos, fue la piedra angular del Madchester, y hasta la fecha consideran a The Stone Roses como los primeros que pusieron las piedra angulara para lo que sería el britpop, con este disco largamente asociado a los raves y la música dance, aunque también bebía de la psicodelia sesentera y su jangle pop que sonaba en todo el disco con excepción del single "Fool's Gold", además de Squire, las percusiones de Reni junto al bajo de Mani arropaban muy bien la manera sugerente, desapasionada y hasta arrogante de cantar de parte de Ian Brown, lo cual quedó plasmado en temas como "I Wanna Be Adored" y "I Am The Resurrection", la oda a los acontecimiento del 68 en "Bye Bye Badman", y el tema antí monarquía en "Elizabeth My Dear", no podemos dejar por un lado la energía y creatividad en temas como "Waterfall" y por supuesto "Don't Stop" llena de optimismo, no digamos la vibrante y animada "She Bangs The Drums".

Fue un álbum genial que capturo el espíritu y el optimismo creativo que cautivó la era que dio origen al acid house, los raves, y el famoso verano del amor, reafirmando un semillero creativo en donde el dance y el rock se unían de una gran manera y sobresalir en un estilo que se caracterizó por ser efímero, es el gran legado de la banda, a menudo infravalorada por la crítica sin ponerse a pensar que el aporte que dieron a la cultura pop y al renacimiento del orgullo Británico que busca recuperar su otrora brillo perdido. 

The Stone Roses Track List:

1. I Wanna Be Adored

2. She Bangs The Drums

3. Waterfall

4. Don't Stop

5. Bye Bye Badman

6. Elizabeth My Dear

7. Song For My Sugar Spun Sister

8. Made Of Stone

9. Shoot You Down

10. This Is The One

11. I Am The Resurrection

Rocktrospectiva: El Álbum Perfecto De The Cure "Disintegration" Cumple 35 Años

 

Lanzado el 2 de mayo de 1989, "Disintegration" fue el 8avo., álbum de estudio en la carrera de la mítica y legendaria banda Inglesa The Cure,  fue en su momento, uno de los discos más esperados de la temporada con un regreso a las raíces de la banda con un sonido más introspectivo y oscuro orientado al rock gótico, sonido que la banda estableció a principios de los 80's, y gracias a la presión que tenía Smith y sus colegas, que estos se armaron de valor y bajo la co-producción de David M. Allen, entregaron uno de los discos más cohesivos y comerciales en la carrera de The Cure, del disco se lanzaron cuatro singles fenomenales que tuvieron su momento, "Lullaby", "Fascination Street", "Lovesong" y finalmente "Pictures Of You".

Grabado a finales de 1988 y principios de 1989, el disco precedió al exitoso "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me" y lo supero convirtiendose en el pináculo del éxito para la banda llegando al No. 3 en el Reino Unido y al No. 12 en los Estados Unidos, gracias al éxito de varios singles entre los que se incluyen la oscura balada que era un regalo de bodas a la novia de Smith, Mary llamada "Lovesong", que fue el que más alto llegó al No. 2, también estaba la oscura y surrealista "Lullaby" cuyo video fue nominado a lo mejor de 1990 en el Reino Unido, la impecable e imponente "Fascination Street" y finalmente la juguetona "Pictures Of You", lo cual le dio la friolera cantidad de más de tres millones de copias vendidas en todo el mundo, a pesar que al inicio recibió una variopinta crítica que con el tiempo terminó aclamando el disco volviéndolo un clásico atemporal.

El estilo oscuro y tenebroso del disco, fue un guiño a sus orígenes, aunque como decía Smith, este obedecía a la depresión que sentía por aquel entonces, un reflejo de estado de animo, lo cual asusto mucho a su sello Elektra que hasta incluso pidió que cambiar el estilo por medio a un fracaso comercial, pero Smith no lo quiso así, aduciendo que las compañías no tenían la menor puta idea de que era The Cure y lo que significaba, por lo que se siguió con lo establecido. 

 

Disintegration estaba caracterizado por el uso de los sintetizadores y teclados, bajas y lentas progresiones de guitarra, y el uso de efectos en los micrófonos para darle ese aire desolador al disco y a la voz de Smith, la placa abría con "Plainsong" con un sonido totalmente triste que establecía el modo de lo que sería el resto de la producción, luego aparecía la divertida aunque siempre de aire desolador "Pictures Of You" recordada por aquel video de palmeras en la nieve, para dar paso a "Closedown", que tenía una curiosa textura llena de cubiertas de teclado aderezada con una lenta y triste línea de guitarra, y luego el tremendo hit, "Lovesong" un tema romántico en todo sentido de la palabra y muy al estilo de la banda, que los colocó en la orbita de todo el mundo, gracias a la suave pasión que Smith le da a su forma de cantarla, si bien es cierto que los otros singles como la rara "Lullaby " y la vibrante "Fascination Street" hicieron más accesible el sonido de la banda, al final era lo que Smith quería, un balance entre lo oscuro y comercial, contrastando otros temas depresivos como "Prayers For Rain" y "The Same Deep Water" trágicos y fatalistas para dejar claro que no perdían el estilo y la esencia de la banda,

El resultado fue mejor de lo esperado, para unos medios la banda era algo así como vibrante pero infelices, lo cual quedo a la perfección gracias al éxito de los singles los puso en alta rotación en la MTV y en los medios, tan así que el último single del disco vio la luz un año después del lanzamiento original del disco, lo cual contrastaba con el título del mismo, ya que todo era aquí integración y cohesión al máximo, las canciones bellamente compuestas y sonorizadas como nunca lo había hecho, lo que dio paso al "Prayer Tour" de 1989, provocando lo que Smith no quería, convertir a la banda en una de arenas y estadios, pero era ya algo inevitable, con el éxito del disco se acabo esa era de la inocencia para la banda.

Disintegration Track List:

1. Plainsong

2. Pictures Of You

3. Closedown

4. Lovesong

5. Last Dance

6. Lullaby

7. Fascination Street

8. The Prayers For Rain

9. The Same Deep Water As You

10. Disintegration

11. Homesick

12. Untitled

In Memoriam: Ha Muerto El Legendario Escritor "Paul Auster" A Los 77 Años

Ha muerto a los 77 años, el icónico y legendario escritor Estadounidense Paul Auster, reconocido autor de "La Trilogía De Nueva York" y el "El Palacio De La Luna". Su muerte fue el pasado Martes por la noche en su casa, situado en el barrio de Brooklyn, rodeado de su familia, entre ellas su esposa Siri Hustvedt, su hija Sophie Auster y su amiga y colega Jacki Lyden, quien emitio un comunicado que decía esto: "Paul murió esta tarde, en casa, rodeado de sus seres queridos", y lo describió como un "escritor de escritores". Auster había estado recibiendo tratamiento por cáncer de pulmón diagnosticado en marzo de 2023.

Entre sus obras más icónicas se encuentran "La trilogía de Nueva York”  que era una novela negra inspirada en el género policial, también el "El palacio de la luna", y “4 3 2 1”, su última obra de gran aliento con la que llego a romper su estilo conciso. El azar y las coincidencias siempre fueron parte de su obra, una vez dijo durante una entrevista: "lo que he tratado de decir en muchas de las cosas que he escrito es que cualquier cosa le puede pasar a cualquiera, en cualquier momento".

Otras obras tales como "Tombuctú" (1999) y la serie de novelas existenciales: "Moon Palace" (1989), "La música del azar" (1990) y "Leviatán" (1992) fueron parte de su extensa obra, también tenía un don especial para los diálogos agudos, y uno de ellos fue clave para el filme "Smoke" la cual escribió y co-dirigió, y era acerca de un dueño de una tienda de tabaco de Brooklyn interpretado por Harvey Keitel, también fue autor de cuentos, poesía y ensayos.

Con una obra que abarca más de 30 libros, los cuales están por doquier y han sido traducidos a más de 40 idiomas, su muerte se da poco meses después de haber publicado su última novela "Baumgartner", con toque nostálgico en donde hacía énfasis en sus recuerdos universitario, su matrimonio y carrera como profesor de filosofía en Princeton. 

 

Nacido en 1947 y creció en Newark, Nueva Jersey. Era hijo de inmigrantes judíos polacos, se mudó a Nueva York para asistir a la Universidad de Columbia, donde estudió literatura francesa, italiana y británica. Después de sus estudios, vivió en París de 1971 a 1975 y tradujo a poetas franceses, pero tuvo que aceptar más trabajos antes de poder ganarse la vida con sus libros. En esa época fue especialmente influido por el escritor irlandés Samuel Beckett, sobre todo por su sentido del absurdo existencial.

La herencia de su padre, fallecido en 1979, le permitió dedicarse a la escritura. En 1992 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y en 2006 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Artes. También es bastante conocido en el mundo hispano, donde la editorial Anagrama tradujo y publicó la mayor parte de su obra.

En abril de 2022 perdió a su hijo Daniel Auster, de 44 años, que tuvo con la escritora Lydia Davis, su primera esposa. Este último murió de una “sobredosis accidental” en Nueva York tras ser acusado de homicidio involuntario por la muerte a finales de 2021, también por sobredosis, de su hija Ruby, de sólo diez meses.

Murió en Brooklyn, el barrio de Nueva York en el que vivía desde 1980 y al cual convirtió en un mito literario.

Su obra básica para conocerle sería esta:

• La trilogía de Nueva York. La obra que lo dió a conocer. Tres relatos policíaco-existencialistas que forman una sola narración

• El palacio de la luna. La novela que cimentó su fama. La vida y aventuras de Marco Fogg, un joven adolescente que recuerda al protagonista de "El cazador entre el centeno", pero a fines del siglo XX.

• La música de azar. Inspirada en Bouvard et Pécuchet de Gustave Flaubert, con dos millonarios excéntricos y los dos hombres endeudados con ellos.

• Leviatán. Un hombre cuenta la vida de su mejor amigo, quien murió tratando de volar todas las estatuas de la libertad que existían en Estados Unidos (con excepción de la original)

• 4 3 2 1. Su última obra de largo aliento. La vida de Archie Ferguson contada en cuatro versiones diferentes.